Planetaki Planet Melocotón En Almíbar

Comienzo sin FIN

2012-01-17T17:47:05Z

Intentare encontrar las palabras correctas para escribir esto,pero a decir verdad creo que las palabras jamas serán suficientes.

Regreso a escribir después de mucho tiempo, vuelvo aquí.Hoy mientras miraba por la ventana percibía un nuevo aroma de la vida.Mi nombre es Eurí soy una joven con muchos sueños y grandes ilusiones. Sin embargo el día de hoy a pesar de que todo mi cuerpo funciona de maravilla, siento el alma con algún tipo de prótesis.Me paso horas mirando el cielo y cuestionando mi destino.vivo con mis padres. Tengo un gato llamado "boris" . Sin duda alguna hasta hace unos meses todo marchaba bien a pesar de que el ingreso a la facultad no era fácil. Hasta que volvió a mi vida mi gran amor, esa personita que desde mi adolescencia cautivo mi corazón con cada detalle con cada suspiro,a su lado reí, llore, soñé, me enamore. Tuvimos la oportunidad de llevar una relación donde la intriga se llevo el trofeo y todo se fue al caño. Mi gran amor me hizo una promesa 10 años pasarían para que volviésemos a estar juntos, aquel que se robo mi corazón era llamado Deneb.Y hasta hace algunos años no sabía de el. Más sin embargo en mi mente divagaba su promesa ¡10 años!, ¿como olvidar a alguien que trajo luz a mi alma?.

Jueves 12 Enero.

2:15am

Ring ring. sueña mi celular oh!! sorpresa era Deneb

Mensaje: Hace mucho que no se de ti y a decir verdad comienzo a extrañarte.Ire a verte MI EURI. Te quiero.

-¿Qué? no podía creer lo que estaba leyendo, era el mi gran amor. Muchas cosas vinieron a mi mente en ese momento -¿Será que aún me ama?. Me imagine; esa noche dormi con su recuerdo.

Y por la mañana a primera hora me diriji a checar mi correo; y le escribí : Hola Deneb ¿Qué fue ese mensaje de ayer? que significa ¿? Yo también te extraño; dude al momento de enviar el mensaje quería escribir más pero algo dentro de mi me decía que no. Haci que me guié por instinto y envié el correo. zum ... enseguida me llego su respuesta ... Respondió - Si te extraño y MUCHO. Platicamos un rato hasta que mire la foto de perfil; en ese momento mi corazón se fracturo (El había entablado una relación). Haci que lo único que dije fue bye.

Salí a caminar un rato, para pensar lo que había sucedido me cuestione tanto. y no conseguía decidir si alejarme de el o luchar por el. Todo comenzaba a no tener sentido para mi ....

Top Ten 2011

2012-01-15T19:15:38Z

Como cada año llega el momento de hacer reflexión y de ver que películas han sido las mejores estrenadas en los cines de España ( y no de Murcia) a lo largo del 2011. Existen algunas faltas graves, pues no he podido ver obras como Tourneé, El Havre, Cisne Negro o Somewhere; que pudiesen incluirse aquí. Ha sido un año de una grandísima calidad y dónde han predominado historias que hacían frente a la muerte y que exploraban mundos inimaginados por el hombre.

10- True Grit ( Valor de ley, Joel & Ethan Coen)

9- Mildred Pierce (Tood Haynes)

8- Melancholia (Melancolía, Lars Von Trier)

7- Midnight Paris (Medianoche en Paris, Woody Allen)

6- Tinker Taylor Soldier Spy (El topo, Thomas Alfredson)

5-Restless (Gus Van Sant)

4- Hereafter (Más allá de la vida, Clint Eastwood)

3- Drive (Nicholas Winding Refn)

1-2 (Ex aequo) The Tree of Life (El árbol de la vida, Terrence Malick) / La piel que Habito (Pedro Almodóvar)

The Artist, El cambio

2012-01-15T19:15:38Z

Come gather round people wherever you roam 
And admit that the waters around you have grown
 And accept it that soon you'll be drenched to the bone. 
If your time to you, Is worth saving 
Then you better start swimming or you'll sink like a stone 
For the times they are a changing.

Introducción
El párrafo anterior no merece presentación. Más allá de las contradicciones del autor, el texto nos lleva hacia una etapa en el que el ser humano se ve incapacitado para adaptarse a los nuevos tiempos, atrincherado en sus convicciones, negando el progreso y la propia naturaleza humana. En ese sentido la historia, de cualquier arte, está llena de avances, retrocesos o descubrimientos que abren el abanico de posibilidades narrativas al alcance del artista. Lo ridículo, en este caso, es hacer una oposición entre un tipo de arte en un determinado momento y otro; en las dicotomías absurdas que proclaman la prominencia de una época sobre otra. En ocasiones ciertos avances pueden llevar a un a una regresión, cuando no consiguen implementarse en los mecanismos narrativos sin aparecer de manera forzados, como serían los esfuerzos inútiles de las últimas producciones en 3-D; en otras la llegada de algo que rompe con lo anterior lleva un tiempo de adaptación y de explotar las nuevas formas, consiguiendo nuevos usos y herramientas creadas a partir de dicho avance. Los cambios más famosos siempre se han dado a través de la tecnología, siendo el más clarividente la incorporación, al sistema de Edison, de la capturación del sonido. Un descubrimiento que revolucionó a una industria. Los cambios más evidentes se daban en la construcción del actor en la puesta en escena, alejada ya de la figura del comediante, hacia un uso que primaba los gestos, posturas, dicción, tono y timbre. De este nuevo descubrimiento nacía el plano-contraplano como vehículo principal del diálogo, y el nacimiento del silencio. Una serie de cambios que, como siempre, resultan al principio difíciles de abordar. Una era a la que se acerca The Artist (Michel Hanavicius, 2011), en los que a través de ciertos códigos de la época, recrea la aparición y adaptación del cambio, convirtiéndose en un documento sobre una ficción.

El documento como ficción
Las partes más interesantes del relato no se fundamentan tanto en la historia de amor sino en su capacidad para mostrar los entresijos de una época, que parte desde la consolidación de un estatus en Hollywood, su derrumbe en forma de actores y que termina mostrando la gran aportación genérica del sonido: el musical. Porque la construcción del pathos se halla construida por diversos clichés algo maniqueos que apelan a la sensibilidad barata del espectador. Por este motivo, el juego en el que el discurso se transforma en la necesidad de narrar una época, se encuentran sus mayores aciertos. Elementos como la rutilante estrella, el productor omnipotente, la preparación de los escenarios; nos llevan aquél lugar mágico dónde la inocencia comenzó a expandirse. Lugares y personajes que lógicamente beben de la interextualidad de las grandes obras del género (por llamarlo de alguna manera), aquellas que han sido recogidas en la memoria selectiva del espectador. El uso del nombre de George Valentin que imita los gestos, poses y tipo de películas de Rodolfo Valentino, letreros que nos llevan a City Lights (Luces de la Ciudad, Charles Chaplin, 1931) en un momento de la historia en un rótulo se puede leer la expresión “Ya veo”, el ascenso de una actriz sonora. Todo ello confiere un entramado compacto que acaba revelándose como un auténtico “falso biopic” y que nos acerca a una serie de fobias y homenajes parecidos a los realizados en Super 8 (J.J Abrahms, 2011) de la década de los 80. Pero ese juego con el imaginario colectivo resulta totalmente revelador para descubrir las carencias y los tópicos sobre el cine silente. La proyección icónica que nos ha dejado dicha época parece concentrada en un cine de aventuras, llenos de héroes de masas con máscaras y espadas; de un slapstick de bufones, relegando todo el universo estético y narrativo que dejaron esas historias hacia la mínima expresión. Cómo si sólo hubiese existido un tipo de cine espectáculo y de masas, sin olvidar que las obras más complejas de Lang se hallan en su etapa muda (alemana) o que gente como Murnau incorporaron a través de la iluminación y el uso del travelling tanto dramático como compositivo, complejos avances en la puesta en escena. La imagen y la memoria, que es al fin y al cabo el valor del cine, han quedado falsa y erróneamente mitificados y cómo demuestra el último Dossier de Miradas de Cine, el cine silente abarca mucho más allá de los prejuicios que se tienen en la actualidad. Un juego que coloca la ficción en un terreno bisagra entre Singin`in the rain (Cantando bajo la Lluvia, Stanley Donen, 1951) y Sunset Boulevard (El crepúsculo de los dioses, Billy Wilder, 1950), curiosamente dos películas de la década de los 50; es decir, se recurre a la memoria colectiva de obras de otra época. Por eso el artefacto es defectuoso y la nostalgia a través de elementos posmodernos queda mejor reflejada en obras Juha (Aki Kaurismäki, 1999) o las incursiones experimentales de Guy Maddin. Incluso en estas fechas se han juntado dos estrenos como Tinker Taylor Soldier Spy (El topo, Thomas Alfredson, 2011) y Drive (Nicholas Winding Refn, 2011) que sin hacer ejercicios monumentales consiguen dotar a la imagen de su valor primario como acto de comunicación.

El juego de Texturas
El modo que adopta el discurso de homenajear la realización cinematográfica es a través de las texturas utilizadas por los directores de aquella época. Así, se consigue dotar al relato con los códigos gráficos y visuales propios en la planificación de las películas silentes. Éste intento de homenaje se aprecia en el uso del formato 4:3, la utilización del iris como forma de cerrar una escena, la imposibilidad de las ópticas por conseguir planos detalles precisos, la sobreimpresión de planos. Una forma que invita al contenido. Sin embargo, ya sea por torpeza o por un mero capricho posmoderno, no se entiende el uso de determinados elementos como el juego con las transiciones imitando a Citizen Kane (Ciudadano Kane, Orson Welles, 1941), y sobre todo el flagrante uso de la música de Vertigo (Alfred Hitchcock, 1958), ya que son elementos que se utilizaron en años posteriores. El uso de la superposición de elementos distintos y reconocibles es muy útil en aquellas obras que se erigen en verdaderos pastiches posmodernos y que sirven como relecturas de determinados géneros, lo que en ocasiones se consigue. Existen dos escenas en el que el juego del sonido y el silencio se hace patente. La primera es el momento onírico pesadillesco en la que la fusión del sonido y el silencio hacen que el personaje y la diégesis se acaban adueñando del discurso del relato, discurriendo por el terreno de las penurias y angustias de George. El segundo momento, totalmente irónico, muestra la imposibilidad del personaje principal para comunicarse con un policía, incapaz de articular palabras comprensibles hacía su receptor. Dos instantes que convierten al propio artefacto de autoconsciente y dónde el introducir elementos ajenos estaría totalmente justificado. Sólo en ese caso tendría sentido la utilización de la música de Bernard Hermman en el momento en que el propio celuloide acaba consumiendo todo, buscando la referencia con la actualidad en el que el digital lo está enterrando. Una historia que cómo dice Ángel Quintana “acaba hablándonos de nuestro propio presente”. Un presente en el que otra vez los tiempos están cambiando. Puede que Dylan tuviera razón.

Melancolía, Romanticismo en imágenes

2011-12-05T02:24:07Z

Prólogo
El anterior trabajo de Lars Von Trier (Anticristo, 2009) proponía, dentro de su estructuración por capítulos habituales, la inclusión de dos piezas que funcionaban como prólogo y epílogo del relato. Su funcionalidad de rara avis se manifestaba por la diferente puesta en escena. Filmadas en blanco y negro, las imágenes estaban impregnadas de simbología, alejadas de la realidad filmada del danés, y que junto al uso de sus planificados y ralentizados travellings y del acompañamiento musical de Hendel, nos devolvían a los juegos con la imagen de Europa (Ídem,1991), su mejor película. Parte de esta estructura se repite en Melancolía, con la diferencia de que el prólogo es un resumen de la acción narrativa de la propia película, y la eliminación del epílogo. En la secuencia de apertura y a ritmo de un romántico como Wagner, aparece el rostro de Justine (Kirsten Dunst) interpelando con su fría mirada al espectador a medio camino entre el odio y la desesperación. Una mirada que deja paso a un resumen de toda la película a base de postales propias del Romanticismo. Planos pictóricos en los que se muestran los cuerpos de los personajes arraigados a la violencia de la naturaleza en su eterna lucha común. El uso de claroscuros como forma de iluminación y la saturación de colores (Verdes, azules) para expresar emociones, nos acercan más a Delacroix que a Lars Von Trier. Una sintomatología del arte en el período romántico. Probablemente la mejor secuencia de apertura del cine moderno. Pura pieza armónica.

Capitulo 1
Las imágenes impactantes del prólogo desaparecen en el primer capítulo del relato. La rigidez armónica y monumental de sus formas se transforman en puro movimiento. El inicio de éste responde a una vuelta a sus orígenes; esto es, al uso nervioso de la cámara al hombro, a los zooms repentinos y arbitrarios, a personajes desencuadrados, al uso del enfoque selectivo; en definitiva a la fragmentación temporal de la escena. Elementos propios de la puesta en escena del danés. La escena comienza con una limosina que no puede trazar una curva debido a su geometría. Un contratiempo que no parece perturbar la mirada de Justine que se toma a guasa la imposibilidad de continuar en el camino, en un ambiente de felicidad y jolgorio que le llevarán a retrasar dos horas su llegada a la celebración de su enlace. Una mirada que encuentra tiempo para ver y hablar a su caballo antes de entrar en la mansión de la celebración. Tras la puerta se halla el verdadero infierno de la madurez de la vida. Una celebración que se muestra como ceniza de la inocencia del blanco del vestido. Un lugar, el estado adulto, que acaba convirtiéndose en el sitio dónde los hipócritas se quitan sus máscaras y comienzan la auténtica representación. La mansión se convierte en un espacio lleno de juegos, y mediante un valiente ejercicio meta-narrativo, todo queda relegado a posturas que no son más que símbolos: La falsa amistad de un jefe que conlleva un trabajo devorador como método de explotación mediante falsas consignas, rituales triviales revestidos de adivinanzas en juego de las botellas, la compostura formal ante los verdaderas emociones. Todo un mundo que no es otro que la bajada a los infiernos de Justine a medida que va redescubriendo la celebración. Por eso la elección del espacio y del encuadre se realiza de manera vital. Los interiores son filmados por movimientos abruptos y fragmentados llenos de rostros desencajados, como si al intentar reconstruir ese instante la realidad no se dejase perforar y sólo quedase tiempo para acciones e instantes aislados y desvelazados. La imagen felicidad-boda termina volando por los aires a través de los diferentes agujeros por los que la realidad acaba invadiendo la recreación. Así, en un acto de explotación interna la frase “Ser feliz” acaba siendo un gesto impostado e inútil tras una máscara dónde se esconden los horrores de la vida contemporánea alejada de los cuentos de hadas. Todo ese ambiente opresivo encuentra su contrapunto en el uso de los exteriores. En ese espacio la cámara adopta un lugar lejano a la acción, como si su función fuera de registro, sin enturbiar el paisaje, dejando que los personajes se fundan con la naturaleza en una revisitación de las constantes de Antonioni. Esa comunión con la naturaleza es el proceso inverso que recorre Justine, el de en vez de incluirse en la materialidad de la vida humana, acaba desdoblándose en sí misma. De la felicidad de aquel instante en el coche, a la libertad y pesimismo existencial de quién se sabe conocedor de la verdad, en el último plano.

Capitulo 2
Silencio, soledad, calma. Frente al bullicioso ruido, los constantes movimientos de cámara se relajan de la pulsión del primer acto. La contención en el gesto y la mirada han dado un incremento de la fisicidad del actor en el que todo queda relegado a posturas y gestos más hieráticos, sin lugar para la celebración. Escenas, sin embargo, aun más arbitrarias que oscilan entre una carrera de caballos y su linchamiento por parte de Justine a intentos forzosos por parte de Cristine (Charlotte Gainsgbourg) por conseguir que su hermana se bañase (purificase). Si el primer capítulo se caracterizaba por un dolor emocional el segundo se envuelve en un torrente de golpes hacía el cuerpo. Un estado que más allá del acercamiento del planeta Melancholía nos acerca a las narrativas de situaciones propias de cineastas tan dispares como Wong Kar-Wai y Terrence Malick. Donde en ellos el uso de narradores enlazaba los agujeros que deja el relato (si bien esto se produce por el rodaje de ambos directores sin un uso de un guión establecido) entre las distintas acciones, en Melancholía, los actos de los personajes concentrados en un suceso temporal cercano (La aproximación de un planeta) dan lugar a una nueva forma de narrar donde las elipsis permiten acciones dispares que terminan adueñándose del relato. Si en la primera parte era la celebración la que se desdoblaba hacia discursos, bailes, duchas y enfados en salones; en el segundo capítulo todo queda reducido a un planeta del que desconocemos su existencia pero parece haber habitado en la diégesis desde su primera toma. Un pliego en la acción que hace que el relato pase de un drama a una película de ciencia ficción, la disolución del género como conquista posmoderna. En este ambiente decadente es donde quedan al descubierto las posiciones estructurales de la celebración relevando sus formas estereotipadas: la racionalidad y superioridad moral, la huída como solución a un problema, el derrumbamiento existencial por la no aceptación del destino, y la inocencia limitada como valor para conservar. Personajes que se convierten en roles, al que aceptan, al entrar en colisión cuando se inicia la danza de la celebración. Al final sólo queda el romanticismo.

Mensajes a tu alrededor

2011-11-22T19:40:58Z

¿Cuántas veces nos hubiera gustado encontrar en la playa una botella con una mensaje dentro o ir a nuestro sitio favorito y encontrar una nota de alguien especial allí?

A veces para que eso suceda tienes que hacerlo tú mismo y conceder esa ilusión a alguien que sabes que ese tipo de detalles también los comparte.

Por esto, animo a todo el mundo que donde quiera que esté, si es en un parque, un bar o una playa, deje una huella, un mensaje secreto. Seguro que quien la encuentre sentirá que ha encontrado un pequeño tesoro.

Encuentro...

2011-11-22T19:40:58Z

No sé por qué será, pero a veces cuando estás de viaje con tus amigos es cuando se te ocurren grandes ideas para un corto, casi siempre de alguna broma o coletilla graciosa. Otras veces cuando terminas en lugares y bares extraños se te pueden ocurrir cortos de terror y otras simplemente para demostrar que la vida es maravillosa.
El vídeo que os adjunto fue grabado en Sopot, un pueblo de Gdansk, de aquel maravilloso país llamado Polonia. Y es el resultado de juntar dos cabezas pensantes como la de Lidia López y la mía, y gracias también al encantador muchacho Alberto Martín. La canción se llama "Al Respirar" de Vetusta Morla.
Venga, a disfrutarlo.

Personajes: Travis Bickle

2011-07-23T21:32:15Z

“La soledad me ha perseguido toda mi vida en los bares y los autos, sobre las aceras, en todas partes. No hay salida. Soy el solitario de Dios”.

Esta frase pronunciada por Travis en el interior de su mente y mostrada en los albores de su solitaria habitación, resume en su totalidad el planteamiento y ejecución de dicho personaje. Travis Bickle es un ser solitario, que vive en una ciudad en la que no conoce a nadie, y cuyo contacto con el exterior son unos padres a los que mantiene engañados mediante postales. Su habitación y su taxi se convierten en su rincón favorito y las frías butacas de un recóndito cine porno el lugar idóneo para relajarse. Es un personaje que apenas tiene conocimientos sobre música, sobre política o sobre cine, directamente no le interesan. Estos rasgos podrían retrotraernos a un ser psicológicamente cercano a un autista. Su condición solitaria se podría explicar por varias vertientes. Primero, por sus antecedentes militares, el típico estrés postraumático producido por la participación de una guerra –Vietnam-, y la alienación producida por una sociedad que olvida a sus antiguos héroes al ostracismo. Aparte de su condición militar, existe otro condicionamiento y se trata de su propio estado mental. Posee problemas de insomnio que le provocan una distorsión de la realidad en la cuál interpreta que la sociedad está contaminada(los barrios están llenos de negros y putas) a los que hay que limpiar, siendo él el único ser que se halla limpio. Esta idealización de sí mismo responde a un cierto narcisismo del personaje, reforzado por la variedad de escenas en las que Travis se observa a sí mismo o queda reflejado en un espejo. Una entronización que lleva a su máxima expresión el bordado de su nombre en la chaqueta que lleva durante gran parte de la película, en una reafirmación del individuo, en una incesante necesidad de ser reconocido.

En este individualismo, aunque en parte sea culpable, también existe el anhelo de revertir la situación. En su habitación observa la tele y como esta emite películas en las que siempre aparece la imagen de una pareja, ya sea en un baile de graduación o en actitud cariñosa. Ese enroscamiento en el yo parece acabarse cuando Travis se enamora de una imagen -en semejanza con la tele y con la materia primaria del cine-, en este caso de Betsy. No conoce nada sobre el personaje, no comparte ningún gusto, sin embargo cree hallar en ella a otro ser solitario y puro, parecido al él.

El acercamiento hacia una imagen puede parecer una verdadera distorsión de la realidad y acrecentada por su visión infernal de la ciudad de Nueva York. Sin embargo, en ningún momento sus acciones se hallan ante una alteración de la imagen y la creación de un mundo aparte, sino que así es su visión del mundo, eso sí, que puede parecer algo alterada. El acercamiento de Travis hacia la realidad es más propia de un demiurgo o un Dios, un ser que contempla y enjuicia a los hombres desde un taxi y que contempla la creación del universo a través de una taza de café- en claro homenaje a Godard- desde una altura y responsabilidad moral. Pero esa diferenciación ha provocado ese autismo antes mencionado. Apenas se mueve bien en las relaciones sociales. Su lenguaje es lento y pausado como si cada palabra que intentase comunicar costase arrancárselas de la lengua, por no hablar de ciertos códigos de conducta, como llevar a Betsy, en su primera cita, a la proyección de una película pornográfica.

Esa mirada adquiere su condición más radical en su concepción del universo femenino. En toda la película sólo adquiere el contacto con dos personas: Betsy e Iris. Las dos no se parecen en nada. Mientras que la primera es una joven con estudios, que lucha y persigue unos ideales no especificados y que sería la imagen angelical que sobresale del infierno de la ciudad; la segunda es una puta, menor de edad, y consciente de su condición. Ambas son observadas desde el propio taxi, pero la primera está en un escalón superior en la sociedad y queda horrorizada hacia el hobbie favorito de Travis -las películas porno-, sin embargo en Iris ve a alguien a la que puede rescatar del infierno. Esa ambigüedad de situarse en el punto medio es la que otorga la determinación cercana al pensamiento de Nietzche de matar al padre, Dios no existe y la única forma de liberar los lazos existentes que impiden que Betsy se interese por él y que Iris dejé esa vida es con la muerte del candidato Palantine y del proxeneta Sport.

Aquí se produce el cambio más sustancial del personaje. Al principio del relato, Travis Bickle se halla construido mediante gestos totalmente hieráticos, en la que los labios eran los únicos que se movían, como si el cuerpo acompañará la acción pero no sobresaliese en ningún momento. Este estatismo desaparece en el momento en que Travis decide que su cuerpo debe reformularse para conseguir una mayor definición muscular. Esto se consigue mediante un entrenamiento específico que se parece a la preparación de un samurai (entrenamiento físico y espiritual, búsqueda del arma propicia, movimientos sigilosos), y que culmina en el peinado a lo mowhank, que le convierten, ahora sí, en un verdadero salvaje de la civilización, en una exteriorización y representación de su locura. La transformación y reafirmación del yo se produce en la famosa escena culmen en la que Travis interpela a un espejo- al espectador- con su ya famoso “¿Estás hablando conmigo?”, y que su realización fue posible mediante una absoluta improvisación de Robert de Niro. Esta mutación tiene como objetivo la redención personal y que tras conseguirlo deberá emprender una misión suicida. Se convierte, por lo tanto, en un extraño antihéroe en el que para poder conseguir su doble objetivo deberá realizar el mal.

Este antihéroe adquiere su referencia directa en Ethan Edwards, Centauros del desierto (The Searchers, John Ford, 1956). El vaquero que provenía de una gran guerra y que volvía a casa para descubrir que su sobrina/hija había sido secuestrada por los indios, y que tras encontrarla se da cuenta que ella ya no es lo que era y que desea permanecer allí. Los paralelismos argumentales y de vestuario – las botas de cowboy- son obvios, si bien, el desenlace y las consecuencias de la misión serán diferentes pues mientras Ethan la rescataba entregándosela a su madre y quedándose apartado de la gloria, Travis es admirado por los padres de Iris, por sus compañeros taxistas y aparece en el periódico. Sólo a través del mal Travis consigue purificarse a sí mismo y a la sociedad, sin embargo la última decisión de Travis refuerza su carácter divino, rechazando a Betsy y eligiendo no pertenecer a esa sociedad. Un antihéroe por encima del bien y del mal, un solitario de Dios.

Señoras que... (Sigojoven)

2011-06-22T14:59:42Z

Dejo aquí el enlace de un spot que hemos realizado entre Daniel Zapata, Maria José García, Juan A. Poveda y yo para el concurso de la red social Sigojoven. ¡Que lo disfrutéis!

¡No a la guerra!

2011-03-22T20:37:21Z

Porque el horror invade los pueblos

Hiroshima, mon amour (Alain Resnais, 1959)

Porque obliga a pelear a los inocentes

La gran guerra ( La grande guerra, Mario Monicelli, 1958)

Porque siempre esconde un motivo oscuro

¿Teléfono rojo? Volamos haci Moscú (Dr. Strangelove, or How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb, Stanley Kubrick, 1964)

Porque no es lo que deben enseñarnos

El silencio (Tystnaden, Ingmar Bergman, 1963)

Top 10 +1 Cine 2010

2011-01-16T15:15:39Z

Una año más, otra lista sobre las mejores películas estrenadas durante el 2010 en España. Queda de antemano que por ciertos motivos algunas obras no he podido visionarlas por lo que será un top un tanto descolgado, así las últimas creacciones de Godard, Anderson, Joe o Lee Chang-dong, no están. Espero en los próximos meses poder contemplarlas. Así, obviando aquellas películas, el 2010 nos ha dejado unas imágenes que bucean sobre el pasado para poder explicar los mecanismos del presente, es decir, la crisis económica (alguna directamente) y el estado del hombre posmoderno. Las tres primeras son inamovibles, el resto puede ir variando dentro de la lista.

1- I´m not There (Tood Haynes, 2007)

2- Two Lovers (James Gray, 2008)

3- Copia Certificada (Abbas Kiarostami, 2010)

4- La red social (David Fincher, 2010)

5- Canino (Giorgos Lanthimos, 2009)

6- La mujer sin piano (Javier Rebollo, 2009)

7- La cinta blanca (Michael Haneke, 2009)

8-Shutter Island (Martin Scorsese, 2009)

9- Un tipo serio (Joel & Ethan Coen, 2009)

10- Vincere (Marco Bellochio, 2009)

Mención Especial: Toy Story 3 ( Lee Unkrich,2010) y a todo Pixar en general.

Top Audiovisual: 5+1

2010-12-31T23:34:29Z

Una nueva lista - cosa bastante rara por estas fechas- de momentos que provienen del audiovisual, ya sean en forma de series, programas de televisiones o videoclips, excluyendo del top las 10 mejores películas estrenadas en este año, que será otra entrada. Sin más dilación aquí van mis 6 momentos del año sin ninguna ordenación:

- El Final de la serie Lost

- Conferencia de prensa de Nucky Thompson en Boardwalk Empire que emula al Padrino

- Promo del capítulo White Tulip de Fringe probablemente lo mejor del año

- Cualquier vídeo manipulado del Intermedio en que sale Punto Pelota

- Videoclip de Arcade Fire " The Suburbs" dirigido por Spike Jonze

-Informe Robinson Mundial 2010

75 años "Una noche en la ópera"

2010-11-10T22:29:30Z

Porque el humor, las obras maestras y los hermanos Marx, nunca envejecen; son inmortales.

Pd: Y dos huevos duros

The Simpsons: Banksy

2010-10-11T21:08:09Z

No podía ser de otra manera. La conjunción de dos iconoclastas no podía dar mejor resultado.

Cortometraje: Paparazzi Pepe

2010-08-03T19:55:47Z

¡Ya está en la red de redes el cortometraje Paparazzi Pepe! La idea surgió tras encontrar Samuel (protagonista y compositor) un error de sonido en un corto que realizamos en el instituto. Tras esto, empezamos a hablar sobre intentar otra locura como aquella... con escena musical y todo. Un mes después, aquí está el resultado. Y ha sido posible gracias a la ayuda inestimable de, por orden de aparición:

Marta y Daniel fueron las primeras víctimas, con un rodaje a pleno sol "afternoon" y una escena en una oficina "sauna" respectivamente. Y Juan, que además de actor cumple la función de micrófono, iluminación, "movedor de cosas"... ¡Os debo una! Ya se os ocurrirá algo... sino, se arregla con una buena cena XD. ¡DVD coming Soon!

Juan Pablo y Noemí, esta vez dispuestos a sufrir el acoso de la cámara del protagonista. Sus papeles y escenas eran "complicadas" y trabajamos a contrarreloj, con una agenda ajustadísima. Está en proceso la creación de una "Edición Superespecial" en BluRay al precio de 199€, pero la edición en DVD, con la versión de Youtube sin comprimir y la Edición Extendida corren a mi cargo para todos los participantes, incluidos Antonio Roldán, Sara y Esther Marín, que animaron mucho el rodaje y el estreno XD. (Antonio no se quejará, que su mano sale en la versión extendida...). ¡A ver si para el próximo guión hay más personajes!

¡Por último, a Integral Media Levante (Juan Alfonso, Salvador y Luis), por los inestimables consejos y por confiarnos el material!

Sin dar más vueltas aquí está el resultado. ¡De nuevo, muchísimas gracias a todos!

Cine de Animación: Shrek y Toy Story

2010-11-09T01:37:31Z

Este mes de Julio nos ha propuesto dos relatos de animación que daban por finalizado una etapa en este tipo de género. Dos propuestas que reformularon el uso de la imagen sintética y su capacidad para ofrecer acciones mas allá que una simple acumulación de gags con un claro corte infantil. Así, tanto Shrek como Toy Story, han sido adalides de la batalla de dos compañías por la supremacía de la animación, que cómo en el inicio de los grandes estudios, se posicionaban en busca de un mismo público, pero fidelizandoló de manera distinta. Mientras Pixar ha ido generando diferentes obras, que lindaban entre el público infantil y el adulto, Dreamswork mezclaba sus producciones no centrándose tanto en este terreno. El desarrollo de Shrek y Toy Story también ha sido distinto, mientras que una buscaba la identificación con película populares la otra buscaba el reconocimiento de la niñez por medio de la voz de los juguetes. Pues bien, a modo de resumen, veamos que sorpresas nos han propuesto en su defunción dichas obras.

SHREK 4 (Mike Mitchell, 2010)

El ogro más famoso del mundo termina sus aventuras en esta cuarta entrega donde parece perder toda la creatividad del primer precedente, en una saga cuyos bandazos de originalidad desaparecían de manera inversamente proporcional a la creación de un nuevo modelo. Su aparición partía del modelo de un pastiche posmoderno, mediante una relectura de los cuentos clásicos de Disney y de la interextualidad de ciertos textos procedentes del cine, para poner de relieve al antihéroe total en el mundo de princesas y dragones. Sin embargo, los problemas comenzaron con sucesivas producciones; si bien la segunda parte con la aparición del héroe desfasado y la inclusión del Gato con Botas, que ampliaba los márgenes de la diégesis, mantenía en nivel al relato; en la tercera parte simplemente se dedicaba a mantener la aventura y a engordar las arcas de Dreamworks. En esta última entrega se decide alterar los márgenes del tiempo en un discurso que se apropia de la historia para volver a empezar, en un intento de retorno hacía los diferentes códigos utilizados en los anteriores producciones. De esta forma, el relato vuelve a partir no de los cuentos clásicos e infantiles sino de una relectura directa de ¡Qué bello es vivir! (Frank Capra, 1946), sobre todo de la parte final donde la narración se inserta en un tiempo muerto en el que el ángel se sirve de demiurgo de la acción; y que entronca con la desaparición del ruido exterior en el que vive el hombre contemporáneo. Los hijos, amigos, conocidos; claman y llaman a Shrek monopolizando su atención y convirtiéndolo en un simple mono de feria, lo que provoca que el personaje se encierre en un mundo equiparable al bullicioso ruido de la ciudad; incluso desde la propia secuencia de apertura, en la que reitera la frecuencia del mismo día formando una alineación temporal parecida a la de Atrapado en el tiempo (Harold Ramis, 1992). Shrek se halla desgastado por el asfixiante ritmo de la sociedad en comparación con la soledad y paz interior que proporciona su ciénaga. En un intento de aplicar la deriva de la identidad del ser humano, obligado a ejercer actos que detesta- el famoso “Ruge ya”- y que le provocan un gran vacío decide emprender la clásica huída, el reencuentro consigo mismo. En este terreno, que ya se lindaba en anteriores relatos, se introduce el personaje de Rasputikin: una especie de Napoleón tanto en el aspecto físico (De estatura inferior a la media, cabezón) como en el aspecto de sus motivaciones que se asemejan a la conquista de territorios de manera dictatorial; que provocará la aplicación del uso tiempo. Así, el mago – o el brujo malvado de cualquier cuento- activa el mecanismo del tiempo como poder catalizador de la historia de manera interna. Y he aquí la gran diferencia con las dos últimas obras: la creación de una nueva dimensión o universo paralelo a la que sólo podrá volver a su línea cronológica hallando su constante, es decir, el beso de amor verdadero de Fiona. Un punto de partida que recuerda en exceso a uno de los mejores capítulos de Lost: The Constant, pero que mientras que en el primero el discurso se reduce a la misma línea temporal, es decir a una dimensión, la digresión en esta materia de la serie creada por JJ: Abrahms se encuentra plenamente justificada de manera externa y los saltos al vacío provocan un mayor existencialismo en Desmond, que ve cómo altera su misma vida viajando al pasado y al presente y en su propia dimensión en los que los cambios efectuados tendrán una repercusión en sí mismos; y por este motivo el “I Love you Penny” resuena con más fuerza que la melodía y el beso final de la alteración temporal de Shrek y Fiona, porque la desaparición como individuo sólo se produce al final sin un mayor desgaste en sus acciones corporales. Esta novedad que funciona como verdadero justificante de la acción nos sirve para dar por finalizado el relato de una diégesis que ya estaba más que ha sido la justificación de todo el relato pues su verdadera misión no es otra que ofrecer otra visión del destino para un final en el que la diégesis ya estaba más que desgastada.

TOY STORY 3 (Lee Unkrich,2010)

La trilogía de Toy Story ha mantenido el mismo esquema dramático con leves matices que le han permitido que la diégesis no se desgastará. De esta forma los tres actos rememoraban las producciones clásicas de Hollywood contadas con el mismo patrón, insuflando por otro lado ese sabor añejo que se produce en la propia materia de la historia, la de atribuir y dar vida a unos personajes en los que el ser humano organiza sus propias vidas a través de sus propia creatividad infantil. Una diégesis que se construía a través de personajes inmateriales y cuyo recorrido ofrece la vuelta a la infancia. Esta tercera entrega, toma el punto de partida del epílogo, en el que presenciamos la verdadera madurez de Andy, previo paso por la adolescencia. Así, ya desde la secuencia de apertura la linealidad del discurso nos lleva al mundo onírico llevado a cabo en las anteriores entregas, al universo inconexo y válido de los juegos de niños, donde un enorme guardián del espacio ayuda a un vaquero del oeste en su persecución y captura de unos ladrones que huyen en su coche mientras que el malvado cerdo volador los protege en su gran zeppelín. La imaginación y la conjunción de elementos hechos realidad en una de las secuencias más arriesgadas de la saga, pues hasta ahora, nunca se había ocularizado tanto a Andy y sus acciones determinadas desde un cierto distanciamiento que provocaba que los grandes personajes eran los muñecos. Por ello, su gran novedad reside en el verdadero distanciamiento que realiza Andy de los juguetes, una despedida por el universo del crecimiento de un personaje que se dibujaba formando casi una deixis, en el que sus palabras no brotaban sino que se contextualizaba por sus acciones hacia otros. Así, los juguetes funcionaban de narradores de Andy, de agentes activos y pasivos de la narración. Y ese alejamiento se vuelve recíproco cuando le observamos interna y/o externamente, donde se nos muestra los verdaderos sueños y el autentico devenir de sus acciones. La responsabilidad ya no es aceptar que juguete elegir Buddy/ Buzz, sino el de dar un nuevo paso al frente en su propio de maduración cómo persona, abandonar el mundo infantil para adentrarse en el universo universitario. Una decisión que vuelve a ser poseída por el azar, por el propio devenir de los acontecimientos y que provocará una nueva aventura, quizás la más cinematográfica, pues tendrán que pasar por un cuartel que parecer dirigir las miradas hacia los dramas carcelarios, ampliando el número de referencias ( más las propias de Pixar y Miyazaki). Si en Shrek partía de un cierto volver a empezar con pocos personajes nuevos, Toy Story crece en su mitología aportando elementos nucleares como Ken o la nueva caracterización de un oso malvado antagonista, en el que ,se rompe el código de reconocimiento y tanto el aspecto como en su diseño (redondo, colores claros, movimientos esquemáticos y ladeados apoyados por un bastón) que indican lo contrario. Después de todo, el final indica el nuevo mundo de Andy y quizás el punto y aparte de Pixar, en el que puede que deje atrás el pasado para explorar nuevas diégesis narrativas. Ahora toca jugar con otros materiales.

ESPAÑA CAMPEONA DEL MUNDO¡¡¡

2010-07-31T19:14:30Z

Y el Dios Iniesta lo volvió a hacer

Lady Gaga

2010-06-10T16:52:41Z

Ayer me compré la entrada para el concierto que Lady Gaga dará en Madrid el domingo 12 de diciembre de este año en el Palacio de los Deportes. Salieron antes de ayer a la venta, y no me extrañaría nada que en una semanita se hayan agotado. Curioso este 'boom' de Lady Gaga. Ha vendido en un año y medio quince millones de discos en todo el mundo, y recordemos que sólo tiene un álbum en el mercado. Tiene mérito, y mucho.

Algunos afirman que su éxito de ventas se debe en gran parte al impacto provocado por su estrambótico vestuario, sus diversas y polémicas declaraciones, etc., al margen de su música. Qué queréis que os diga. No somos tontos, y sí, está claro que Gaga ha gustado y mucho por su actitud e imagen de cara al público, pero su música es muy buena, y eso es innegable. Es una artista de los pies a la cabeza, con una mente creativa digna de admirar. Por no hablar de sus videoclips. Se supera con cada uno de ellos, los cuales suele codirigir y escribir los guiones.

En fin, esperaré ansioso hasta el 12 de diciembre, para disfrutar del directo de esta mujer, ya que por todos es sabido el mega espectáculo que está ofreciendo en su gira.

Os dejo con sus mejores videos oficiales, para mí, claro está.

Preguntas sin respuesta

2010-06-01T18:55:41Z

Mañana tengo el primer examen y, como siempre, se me ocurren cosas mejores que hacer que estudiar, podría ponerme a ordenar la habitación, irme a comprar algo de cena o, incluso, lavar a mi perra. ¡Pero no! voy a hacer algo más estúpido, y es que, leyendo los apuntes me he encontrado con algo muy extraño que no sé de dónde viene ni cómo es que no lo había leído antes.
Son unas "preguntas" del primer parcial del examen, digo preguntas por que es lo que pone en el título pero yo no veo ningún signo de interrogación.

Paso a transcribir las "preguntas" que más flipada me han dejado:

"Los jóvenes están en contacto con más cuerpo que las personas mayores". (Esta juventud...lo que le gusta el roce...)

"Las mujeres fue recibida con 2 besos, pero no suele ser el hombre" (todo el mundo sabe que "las mujeres" es más cariñosa)

"Proximidad normalmente una persona tiene más físico con su hermano con la cabeza" (¿?)
"Granizo latinos levantando la cabeza, la cabeza de pato Oriental" (Aquí tampoco tengo nada que decir)

"Los medios de comunicación se realizan en las campañas electorales". (Lo llevas claro, si te quieres realizar como medio de comunicación lo último que tienes que hacer es ir allí)

"La televisión es más creativa, porque es más subjetiva que otros medios de comunicación" .(Jajajajajajajajajajajajajajajajajajajajaja)

Y la mejor de todas:

"El matrimonio es el contacto más cuerpo que algunos compañeros de piso". (Donde va a parar)

Próximamente más. Adiós.

This is the end

2010-06-01T19:32:43Z

Kate Winslet

2010-06-01T18:55:40Z

Es ya la Meryl Streep inglesa, capaz de conseguir cualquier papel que se proponga.

Desde mi punto de vista, algo la diferencia de las demás. No es que las demás actrices estén por debajo de ella, ya que cada una tiene su punto fuerte (menos Megan Fox, que sólo sabe calentar Transformers), es que su Clementine, de Eternal Sunshine of the Spotless Mind, es inalcanzable.

Y eso que el drama parecía ser su "punto fuerte"...

Crítica: "Kick-Ass"

2010-06-01T18:55:40Z

Kick-Ass puede parecer, a priori, una peli más de superhéroes. Pero nada más lejos de la realidad, ya que estamos ante una "patada en el culo" al concepto de peli de superhéroes que tanto éxito ha tenido esta última década (más económicamente que por parte de la crítica). Olvidaos de lo previsible de muchas de estas películas, porque ya es hora de salir realmente "sorprendidos" del cine.

Partiendo de que cuenta con 30 millones de presupuesto (frente a la media de 150 de otras adaptaciones de cómic), la película ha reunido a grandes talentos sin afectar al apartado visual del film. El desconocido (pero con experiencia, sobretodo en TV) Aaron Johnson cumple sin grandes alardes con el papel protagonista; un adolescente que piensa con las hormonas y que sufre de cierta crisis de identidad.

Mark Strong, visto últimamente en Sherlock Holmes, es uno de los puntos fuertes de la película, que borda su papel de un villano rodeado de incompetentes y que tiene una difícil relación con su hijo, Christopher Mintz-Plasse, el McGlovin de Supersalidos. Los matices de la actuación de Strong son realmente dignos de mención, convirtiendo así sus escenas en algunas de las más cómicas de la película.

Nicolas Cage, por su parte, se enfunda el traje de "Big Daddy" (traducido como "Big Papi" en la versión doblada, mitad inglés y mitad español, para que nadie se mosquee...) y vuelve a demostrarnos que se toma enserio su carrera (aunque a veces le pueda más el dinero que su resentida reputación). El conocido actor consigue provocar la sonrisa con su sola presencia, y nos hace creible la extraña relación con su hija de 11 años, "hit girl", interpretada de forma sobresaliente por Chloë Moretz (500 Days of Summer).

Con Matthew Vaughn (Stardust) en la silla de director, esta adaptación del cómic de Mark Millar y John Romita Jr. consigue catapultar al público, ya en los primeros 20 minutos, a un delirio visual y repleto de violencia cargado de tintes del mejor humor negro. Por desgracia, el tono planteado al inicio no se mantiene en el resto del film, adentrándose, quizás por la evolución de los personajes, en un mundo mucho más oscuro y duro, donde algunos de los toques de humor no terminan de encajar.

De esta forma, aun incluyendo una genial banda sonora, gags bastante ingeniosos y grandes escenas de acción que son 100% cómic, la película pierde gran parte del encanto inicial, quizás por la falta de personalidad del director que no termina de aglutinar el conjunto. Eso no quita que estemos ante una de las películas más sorprendentes y divertidas del año, un divertimento sin pretensiones que no te dejará indiferente.

3.5/5

PD: Pude ser uno de los 10 privilegiados que asistimos a su preestreno en Murcia (privilegiado porque la publicidad de este "acontecimiento" fue nula y unos amigos se enteraron de casualidad).

Campaña publicitaria "RayBan Wayfarer"

2010-06-01T18:55:32Z

Cortometraje - El feroz ataque de los seres "humanos"

2010-06-01T18:58:32Z

Echadle un ojo al corto que hemos rodado para un concurso. Gracias!

"El feroz ataque de los seres humanos"

2010-06-01T18:55:45Z

Hola a todos:

Escribo tras varios meses en inactividad porque necesito un poco de ayuda. He participado en un concurso de cortometrajes que para pasar a la final es necesario tener muuuchas visitas. Por ello os pide que por favor visiteis el cortometraje :)

El cortometraje se titula "El feroz ataque de los seres humanos". Trata sobre unos niños que deciden hacer una función escolar para hacerle ver a sus mayores que necesitamos cambiar el planeta.

Aquí os lo dejo, pero teneis que darle al título, que aquí se ve sólo un trocito porque está en alta definición. Gracias!

Ciclo Akira Kurosawa

2010-07-21T17:48:58Z

Durante seis días asistí a un seminario dedicado a la figura de Akira Kurosawa, uno de los grandes maestros japoneses junto a Ozu y Mizougchi. Para mí, se trataba de una toma de contacto con este director puesto que no había visionado ninguna de sus obras. Un caramelo en el paladar para poder seguir abriendo vías y explorando su cine de forma más autóctona. Fueron, entonces, seis películas de diferentes etapas, desde las obras de contacto con el arte cinematográfico hasta su obra póstuma. Un recorrido, un esbozo, por el camino que siempre llevó a cabo Kurosawa, pasando por los primeros homenajes mediante la inclusión de diferentes códigos de referencia llevando al extremo la interextualidad, hasta la depuración de un estilo basado en la contemplación de la vida humana( siguiendo la misma línea utilizada por su admirado John Ford pero dotándole de sentido propio). Obras de un autor humanista en busca de personajes enfrentados a mundos para los que no se hallan predestinados, que necesitan imprimirle unos cambios vitales. Son situaciones que muestran la verdadera esencia del ser humano; la lucha por la libertad, el amor a la verdad y a la vida, la lucha de egos o la amistad. Pero siempre con el mismo discurso frío y amplío, aquel en el que importa más observar a los sujetos que la propia búsqueda del tratamiento dramático. Porque las historias de Kurosawa, como las de John Ford, hablan de la gente y por ello se produce un absoluto estatismo y una ausencia de primeros planos- conforme avanza van desapareciendo-, ya que apenas se buscan, sino que lo interesante es la expresión y los gestos de los personajes. A continuación un breve esbozo de cada una de ellas:

No añoro mi juventud (1946)

Las primeras obras de cada autor son las más fáciles de encontrar referencias, códigos ya usados y aprehendidos de forma que estos se hallan moldeados al carácter de cada director. Aquí las referencias son diversas, desde la búsqueda del plano medio de John Ford, pasando por el montaje tonal e intelectual de Eisenstein, hasta ese plano final que recuerda a La mujer de París (A Woman of Paris, Charles Chaplin, 1923). Esta es la única película, al igual que el referente, en el que el personaje central de la obra es una mujer. Un relato que respira neorralismo por todos costados, que avanza desde la revolución política hasta la desesperanza y el olvido de la clase obrera; que nos deja de la misma manera que las miradas ingenuas de los habitantes del pueblo ante la subida del monte de Yukie, con un travelling mirando a la espalda trabajadora de Japón, de la construcción de una nueva identidad. Ambos se convierten en una cuestión moral y no un simple virtuosismo técnico.

Râshomon (1950)

Sin lugar a dudas mi preferida de este ciclo. La fragmentación del relato a través de diferentes narradores que parten desde lo autodiégetico hasta lo heterodiégetico, y sin embargo ninguno puede ser considerado como fidedigno. El discurso se multiplica a través de historias que contienen otras historias, de narraciones que contienen relatos en sí mismos configurados, de textos que contienen otros textos pero que ninguno contiene el verdadero. Quizás, se trata de una simple estructura llevada a través de varios cortometrajes. Pero lo innegable es que ese efecto de la multiplicidad del punto de vista produce un distanciamiento de la acción de los propios narradores, perdidos en la niebla de la mentira que les conduce el bosque, su propia naturaleza. Un relato falso, pues ninguna de sus instancias y agentes son fiables. Y aún así, a pesar de las diferentes visiones, la propuesta de Kurosawa se muestra impecable: ¿Qué es la verdad?. No existe una respuesta porque cada una se halla sesgada, como cada persona posee una propia visión de las cosas. La objetividad no existe, la mentira y el resurgimiento del reino de la sociedad sólo será posible a través de ellas. Sin ella, seremos tiranos de la opinión y de la visión pero nunca de la verdad.

Ikiru (1952)

Como cualquier humanista Kurosawa decide explorar los sentimientos humanos a través de temas universales y atemporales como la muerte y la vida. Desde una premisa de la noticia de que Watanabe morirá el dispositivo se forma de manera que sitúa un punto límite, una fugaz vía de escape que sirva para cerrar el relato. Sin embargo, esta huída que emprende no le servirá y ese mismo punto de fuga se volverá para seguir a un personaje que sufre una autentica transformación, de descubrir que le quedan pocos días de vida a disfrutar de lo que le queda de ella, para olvidarse de los argumentos de Sastre y abrazar la teorización del humanismo. Por ello, el intercambio de secuencias comienza a ser más rápido, pasando desde la desesperanza absoluta que deja el rostro Mifune contemplando hundido como la lluvia golpea su rastro interpelando con su mirada el radio de acción del espectador, , haciéndole participe de su sufrimiento; para convertir esa angustia en movilidad, en una palabra: vivir.

Derzu Uzala (1975)

Si en Râshomon el espacio localizaba la maldad y la falsedad como fuente primaria de la concepción humana, otro bosque- más frondoso y más mayestático- nos muestra el otro lado existente, el de la vertiente de la bondad humana. Pasamos medio relato contemplando la espectacularidad de la fauna de la tierra, de los frondosos bosques con sus árboles impregnados de color, del frío intenso que produce un campo helado, de los ríos que transitan por el medio de la naturaleza, que casi podría tratarse de un documental sobre la madre Tierra. Sin embargo, esa relación también la plasma en el ser humano, en el terreno de la amistad entre Derzu ,un personaje que abraza la materia prima, y el General que abraza directamente todo lo que haga el Cazador.

Ran (1985)

La tonalidad y la viveza de los colores primarios se muestran en su lado más salvaje, en una lucha sin cuartel para establecer la supremacía de la luz. Para esta historia ambientada en el Japón medieval Kurosawa utiliza el color como único elemento expresivo, llenándolo de ambición, de dolor, de lucha; en una epopeya que muestra tanto las más altas batallas como las más terribles traiciones del ser humano. Tomando como punto de partida El Rey Lear trasvase cualquier resquicio literario en una historia de locos y en el que el personaje más loco recita uno de los monólogos más cuerdos de la historia del cine. La historia es una excusa para mostrar tonalidades que refuerzan pensamientos adquiridos, comportamientos que derivan de la propia concepción mental humana; rojo, amarillo, azul, todos juntos y en la misma batalla de un pintor por configurar su fresco, en busca de la tonalidad adecuada.

Madadayo (1992)

Llegamos a la última película y en ella todos los rasgos implementados en la obra de Kurosawa se exponen de manera más depurada y quizás más radicalizada- la dilatación del instante a través del plano general con el teleobjetivo-. Organizada como un triángulo, cada encuadre trata de trazar cada vértice colocándolo siempre en correspondencia con los valores emocionales que le corresponden. Es decir, Uchida siempre se halla alzado sobre el resto de sus alumnos, y este siempre es inferior al rostro de su esposa. Un gran hombre que esconde una gran mujer. Dejando así, un rastro testimonial, en el que llama a sus más altos maestros( Ford, Capra), por eso dicha composición en el encuadre, Kurosawa dejaba el último de sus cuadros; un bonito sueño que recorre toda su trayectoria.